文／宋佩
十字架上彰显的神圣之爱拥抱我的灵魂，没有任何绘画或雕刻能再安慰我的心了。——米开朗基罗
自罗马时代以来，圣经中的故事与耶稣及使徒们的事迹就一直是艺术表现的重要主题。而随着各个时代人文精神、社会环境与教会力量的改变，圣经故事也有不同的诠释。除此以外，各个艺术家个人的人生经验与生命过程，也使得他们作品的表现方式各异。多数的艺术家都随着委托他的教会或王公贵族的喜好来做画或雕刻，仅有少数几位能够真正掌握住圣经中的精神，加上本身宽广的胸怀、细腻敏锐的感受力及丰富的人生体验，创作出动人的艺术作品。以下我们就举出几位这样的艺术家，看看他们的信仰与作品间的关系。
米开朗基罗
米开朗基罗（Michelangelo，1475—1564）所属的文艺复兴时期，因为对希腊、罗马艺术重新燃起了兴趣，特别注重人体的描写。而随着新柏拉图思想的盛行，人对自己充满了自信，认为运用本身的智慧即可参透宇宙间的真理。艺术家尤其认为应该发挥神赋予的创造力，追求古艺术所具有的理想与完美的精神，米开朗基罗即是其中最具代表性的一位。他著名的作品如“大卫像”、“天地创造”，虽都是取材自圣经，但也都结合了新柏拉图思想，强调理智与情感、精神与肉体的完美结合。然而在他去世前几年开始雕刻的一件“圣母哀子像”上，我们却看到最动人的救赎盼望，这时人体的比例与肌肉的力感都已不再是表现的重点了。他曾在一首晚年写的诗中说到：“十字架上彰显的神圣之爱拥抱我的灵魂，没有任何绘画或雕刻能再安慰我的心了。”这段诗句也许最能诉说出他此时创作的心怀！
葛雷柯
文艺复兴时期之后，矫饰主义时期的一位画家——葛雷柯（EI Greco，1541—1614），画了许多耶稣的事迹，在他从义大利移居西班牙之后，作品风格开始有了极大的改变。他喜用鲜艳的色彩来传达情绪的变化与情感的深度，并藉着拉长与变形的人体强调主题的精神性。在“磔刑图”（脱去耶稣的外袍）中，耶稣身着紫红色的外袍，举目望天，与周围人群的激动情绪及马利亚等人的哀伤情形成强烈的对比，耶稣眼中泪光闪烁，左手摆出宽恕的手势，异发显得动人。
布勒哲尔
十六世纪的荷兰画家布勒哲尔（Pieter Brughel the Elder，约1525—1569）将他对圣经的了解表现在旧约故事、耶稣事迹及寓言，还有以农民生活为主的风俗画上。他嘲讽人的愚昧无知，在短暂的生命中或是沉浸于世间的享乐中，或是为温饱而辛勤的工作。而他更希望藉着画来提醒世人看见自己的贪婪自大，学习耶稣的谦卑与宽容。其中最具代表性的一幅即是“耶稣与淫妇”，耶稣在地上用手指画字，站在他左后方的是门徒，前方的则是原先责难耶稣的人，但他们似乎正思考着耶稣的回答而神情有所改变，淫妇站在中央，原先包围着她的人因认清自己也是罪人而逐渐离去。
林布兰
巴洛克时期荷兰画家林布兰（Rembrandt van Rijn，1606—1669），应算是最伟大的圣经画家。他本身对圣经的了解加上逐年增长的人生经验，使得他的画作愈见深度也愈予人深刻的感动。林布兰年轻时即已成名，收入颇丰，家庭幸福，对自己充满自信，在绘制圣经故事时，多详尽的描绘细节，并喜欢选择最戏剧性的刹那，藉着手势、神情与光线表现其中的情节。然而随着年岁渐长、妻、儿的去世，加上生活日趋困窘，他绘画的表现也由早年充满动作的场面转为宁静、引人沉思的气氛。到了晚年，他运用更自由的手法做画，温暖的色调似乎在画布上闪烁着光芒，如“浪子回家”中，鲜红色调与金黄色笔触即烘托出了温馨的场景，而人物的神态更使得这幅颂赞爱与宽恕的画直透人心，林布兰在情感表现的深度上是无可比拟的。
卡拉瓦乔
卡拉瓦乔（Caravaggio，1573—1610）创作的时间比林布兰稍早，两人在圣经题材的表现上都极为独到，并对往后有深远的影响。卡拉瓦乔的构图单纯，光线运用非常巧妙，能够立即带领人感受到画中的气氛。他并不将圣经中的人物理想化，而把他们画成一般中下流阶层的普通百姓，“怀疑的多马”描写多马用手探触耶稣肋旁的伤口即是一例。在故事中则强调人性的冲突，似乎希望藉着人生的痛苦、不和谐，说明对救赎的渴望。
梵谷
最后我们再来看看十九世纪末最具传奇性的画家—梵谷（Van Gogh，1853—1890）。他与家人关系亲密，然而因为生活中的不如意，绘画成了他热情倾泄的对象，是他希望用来安慰人心的一帖药。不过由他自杀前画的“星夜”看来，他已丧失了信仰，对人生命的答案充满了怀疑，因而陷入了困惑、不安的情绪中，终至自杀。
由梵谷的例子我们再来看看现代的艺术家，随着佛勒伊德的理论，存在主义种种现代思想的兴起，科技的惊人发展，艺术家们表现的主题多是现代人的疏离、不安、混乱的情感关系。少有几位能去探讨生命的本质、人与神的关系。这也许就是现代绘画在给人视觉的撞击后，就什么也不留的原因吧！
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